| Resumen |
"Affective Affinities ofrece una alternativa a las exposiciones temáticas al centrar la mirada de los artistas en sus propios contextos creativos. La 33ª Bienal de São Paulo presenta 7 exposiciones colectivas organizadas por artistas-curadores invitados, así como 12 proyectos individuales seleccionados por el curador Gabriel Pérez-Barreiro.<br/><br/>Con un formato ambicioso y sin precedentes, la 33ª Bienal de São Paulo – Afinidades Afectivas espera fomentar una apreciación individual del arte evitando un tema general que pueda impulsar entendimientos preestablecidos.<br/><br/>El título de la 33ª edición de la Bienal de São Paulo fue seleccionado por su curador Gabriel Pérez-Barreiro, director y curador jefe de la Colección Cisneros, para que resonara con las ideas presentadas en la novela Afinidades electivas (1809) de Johann Wolfgang von Goethe, así como como la importante tesis de Mário Pedrosa Sobre la naturaleza afectiva de la forma en la obra de arte (1949). Sin embargo, el título no pretende dotar a la exposición de una dirección temática. Más bien, refleja la organización de la muestra, que se basa en vínculos artísticos y culturales, así como en afinidades entre los artistas participantes. Como en el texto de Pedrosa, propone una investigación sobre las formas en que el arte crea un entorno de relaciones y comunicación, que comienza con el artista y avanza a través del objeto hasta el espectador. Presencia, atención y la forma en que el entorno influye en nuestra experiencia, son las premisas que guían la propuesta curatorial de Pérez-Barreiro, que funciona como respuesta a un mundo de verdades ya hechas, en el que la fragmentación de la información y la incapacidad para centrar la atención pueden conducir a la alienación y la pasividad.<br/><br/>Con una fuerte convicción en el impacto positivo de un cambio radical en los sistemas operativos de la Bienal de São Paulo, para esta edición Pérez-Barreiro ha invitado a siete artistas diferentes a organizar libremente exposiciones que dialogen con sus prácticas. Mamma Andersson (Suecia) , Sofia Borges (Brasil) , Waltercio Caldas (Brasil) , Alejandro Cesarco (Uruguay) , Claudia Fontes (Argentina) , Antonio Ballester Moreno (España) y Wura-Natasha Ogunji (Estados Unidos) tienen, con total autonomía, eligieron a sus artistas y obras de arte participantes. El único criterio es que también deben incluir su propia obra en sus exposiciones.<br/><br/>Además, Pérez-Barreiro también ha curado 12 proyectos individuales con trabajos de Feliciano Centurion (Paraguay), Alejandro Corujeira (Argentina), Luiza Crosman (Brasil), Nelson Felix (Brasil) , Siron Franco (Brasil) y Tamar Guimarães (Brasil). . , Aníbal López (Guatemala) , María Laet (Brasil) , Vania Mignone (Brasil) , Denise Milán (Brasil) , Bruno Moreschi (Brasil) y Lucia Nogueira (Brasil).<br/><br/>.<br/><br/>Siete propuestas curatoriales diseñadas por artistas-curadores:<br/><br/>Mamá Andersson | Stargazer II<br/>Para su exposición, Stargazer II, Mamma Andersson (Luleå, Suecia, 1962) reúne a un grupo de artistas que han estado inspirando e impulsando su propia producción como pintora. La selección incluye una amplia gama de referencias, como iconos rusos del siglo XV; los forasteros Henry Darger (Estados Unidos, 1892–1973) y Dick Bengtsson (Suecia, 1936–1989); y artistas contemporáneos, como el cineasta Guvnor Nelson (Suecia, 1931) y el piloto de combate y artista sonoro Åke Hodell (Suecia, 1919-2000). Los participantes comparten un interés común por la figuración expresiva y el cuerpo humano. La exposición también presenta una gran cantidad de pinturas de Andersson, presentando un diálogo vibrante entre su práctica y su inspiración artística.<br/><br/>Antonio Ballester Moreno | sentido/comum<br/>Antonio Ballester Moreno (Madrid, España, 1977) aborda su proyecto curatorial para la 33 Bienal de São Paulo como una manera de contextualizar un universo basado en la estrecha relación entre biología y cultura, con referencias a la historia de la abstracción y sus interacción con la naturaleza, la pedagogía y la espiritualidad. Para ello reúne el trabajo de filósofos, científicos y artistas: “Todos somos creadores de nuestro propio mundo, pero entiendo que tanta variedad de lenguajes nos haya alejado del sentido de lo común, por eso esta propuesta se centra en el estudio de nuestros orígenes, ya sea en relación con aspectos naturales, sociales o subjetivos, los tres ejes que organizan la exposición”, señala Moreno. Titulada sentido/comum, la exposición abarca juguetes educativos de vanguardias históricas, obras de arte de la Escuela de Vallecas y obras de artistas contemporáneos. Entre los participantes, la exposición cuenta con el filósofo y educador Friedrich Fröbel (Alemania, 1782-1852); Andrea Büttner (Alemania, 1972); Mark Dion (Estados Unidos, 1961) y Rafael Sánchez-Mateos Paniagua (España, 1979), quienes también colaboraron en la publicación educativa Convite à atenção [Invitación a la atención].<br/><br/>Sofía Borges | A infinita história das coisas ou o fim da tragédia do um<br/>El proyecto curatorial de Sofia Borges (Ribeirão Preto, Brasil, 1984), titulado A infinita história das coisas ou o fim da tragédia do um [La historia infinita de las cosas o el fin del Tragedy of One], explora un collage de referencias mitológicas basadas en interpretaciones filosóficas de la tragedia griega. Su propuesta es investigar los límites de la representación y la incapacidad del lenguaje para mediar lo real. “He pasado años intentando utilizar imágenes para revelar el estado de representación de las cosas, hasta que entendí que esto no tiene solución porque, en realidad, es una cuestión de significado. El lenguaje es trágico per se, ya que es ambiguo. No se puede utilizar un material para hablar de otro”, señala Borges. El proyecto de exposición se basa en un modelo curatorial mixto en el que la selección de obras de arte específicas va acompañada de obras por encargo. Una de las singularidades de la propuesta de Borges –que incluye obras de Jennifer Tee (Países Bajos, 1973), Leda Catunda (Brasil, 1961), Sarah Lucas (Reino Unido, 1962) y Tal Isaac Hadad (Francia, 1976), entre otros– es su activación dentro de un programa de experimentaciones que se desarrollan a lo largo de la duración de la Bienal.<br/><br/>Waltercio Caldas<br/>Waltercio Caldas (Río de Janeiro, Brasil, 1946), cuya producción siempre ha bebido de la historia del arte, propone una sala de exposición donde se confrontan obras de diferentes artistas con sus propias obras. “Dado que la práctica de un artista aborda numerosas cuestiones que varían a lo largo del tiempo, he elegido obras que se desvían de sus aspectos más conocidos y que destacan por su calidad y especificidad. Los resultados de las relaciones entre las piezas seleccionadas se convirtieron en el principal interés de mi selección”, señala Caldas. Propone una reflexión sobre la poética, así como sobre la naturaleza de las formas y las ideas y su implicación en la producción del arte desde finales del siglo XIX. “Al observar la tensión entre estas obras de arte tan diversas, he buscado las sorpresas esclarecedoras que surgen de su fricción”, dice. Desafiando su propio trabajo y destacando interacciones a menudo inesperadas, como las que se produjeron entre el trabajo de Víctor Hugo (Francia, 1802-1885), Jorge Oteiza (España, 1908-2003) y Vicente do Rego Monteiro (Brasil, 1899-1970), vemos el surgimiento de nuevas posibilidades para la lectura del arte.<br/><br/>Alejandro Césarco | Aos nossos pais<br/>Aprovechando sus intereses en temas como la repetición, la narrativa y la traducción, Alejandro Cesarco (Montevideo, Uruguay, 1975) realiza una curaduría de obras de artistas que comparten sus inquietudes conceptuales y estéticas. Titulado Aos nossos pais [A nuestros padres], “el espectáculo cuestiona cómo el pasado (la historia) habilita y frustra potencialidades simultáneamente, cómo reescribimos el pasado con nuestro trabajo y cómo se produce la diferencia en la repetición”, explica Cesarco. Además de obras del artista-comisario, la muestra presenta artistas de tres generaciones diferentes, entre ellas Sturtevant (EE.UU., 1924 – Francia, 2014), Louise Lawler (EE.UU., 1947) y Cameron Rowland (EE.UU., 1988). “Dedicar el espectáculo a una relación primaria (biológica o adoptada, literal o metafórica) es una forma de construir una genealogía y de intentar acercarse a la fuente central de nuestras comprensiones, métodos, inhibiciones, posibilidades y expectativas”.<br/><br/>Claudia Fuentes | O pássaro lento<br/>Para su exposición titulada O pássaro lento [El pájaro lento], Claudia Fontes (Buenos Aires, Argentina, 1964) recurre a una metanarrativa: un libro de ficción del mismo título cuyo contenido se desconoce, salvo algunos fragmentos y algunas restos materiales. Tanto Fontes como sus artistas invitados presentan obras que activan vínculos entre las artes visuales, la literatura y la traducción, a través de experiencias que proponen una temporalidad ampliada. “La experiencia de la velocidad y la lentitud son experiencias políticas arraigadas en el cuerpo. Ambos influyen en la comprensión del espacio, la distancia y la posibilidad”, afirma Fontes. En un proyecto curatorial horizontal y colaborativo, cada participante, a excepción de Roderick Hietbrink (Países Bajos, 1975), produjo obras encargadas para la ocasión: Ben Rivers (Reino Unido, 1972), Daniel Bozhkov (Bulgaria, 1959), Elba Bairon (Bolivia). , 1947), Katrín Sigurdardóttir (Islandia/Estados Unidos, 1967), Pablo Martín Ruiz (Argentina, 1964), Paola Sferco (Argentina, 1974), Sebastián Castagna (Argentina, 1965) y Žilvinas Landzbergas (Lituania, 1979).<br/><br/>Wura-Natasha Ogunji | sempre, nunca<br/>Para su proyecto expositivo titulado sempre, nunca, compuesto exclusivamente por obras de arte por encargo, Wura-Natasha Ogunji (St. Louis, EE.UU., 1970) invitó a los artistas Lhola Amira (Sudáfrica, 1984), Mame-Diarra Niang (Francia, 1982), Nicole Vlado (Estados Unidos, 1980), ruby onyinyechi amanze (Nigeria, 1982) y Youmna Chlala (Líbano, 1974) para crear, como ella misma, nuevas obras de arte en un proyecto curatorial colaborativo y horizontal. El trabajo de estos seis artistas “va desde lo íntimo (cuerpo, memoria, gesto) hasta lo épico (arquitectura, historia, nación)”, explica Ogunji. “En un diálogo abierto y continuo, nuestros proyectos individuales abarcan diferentes prácticas y lenguajes, cruzándose en ideas y preguntas cruciales para la experimentación, la libertad y el proceso creativo”. La práctica de cada artista se ve impactada por sus historias individuales y por la compleja relación que tienen con sus tierras, naciones y territorios. “Su trabajo subvierte las narrativas hegemónicas y abraza las interrupciones como aperturas necesarias”.<br/><br/>Doce proyectos solistas curados por Gabriel Perez-Barreiro<br/>Artistas invitados: Feliciano Centurion (Paraguay), Alejandro Corujeira (Argentina), Luiza Crosman (Brasil), Nelson Félix (Brasil), Siron Franco (Brasil), Tamar Guimares (Brasil), Aníbal López Denise Milan (Brasil), Bruno Moreschi (Brasil) y Lucia Nogueira (Brasil)<br/><br/>“Quería mostrar artistas que fueran históricos, pero no necesariamente famosos; No quería que estas secciones de exposición simplemente reiteraran nombres que ya conocíamos. Los artistas homenajeados son poco conocidos en América Latina, a pesar de estar entre los nombres más relevantes de su generación. Traerlos a la Bienal es una forma de garantizar que no desaparezcan del canon de la historia del arte y al mismo tiempo presentarlos a las nuevas generaciones”.<br/><br/>Entre los doce proyectos solistas seleccionados por Pérez-Barreiro, tres son homenajes póstumos a Aníbal López (Ciudad de Guatemala, Guatemala, 1964–2014), Feliciano Centurión (San Ignacio, Paraguay, 1962 – Buenos Aires, Argentina, 1996) y Lucia Nogueira ( 1996).Goiania, Brasil, 1950 – Londres, Reino Unido, 1998).<br/><br/>33ª Bienal de São Paulo – Afinidades Afectivas<br/>Pabellón Ciccillo Matarazzo, Parque Ibirapuera"<br/><br/>www.bienal.org.br |